La musique classique fait généralement référence à la musique savante du monde occidental, considérée comme distincte des traditions de musique folklorique ou populaire occidentales. Elle est parfois spécifiée comme la musique classique occidentale, car le terme "musique classique" peut également être appliqué aux musiques savantes non occidentales. La musique classique est souvent caractérisée par la formalité et la complexité de sa forme musicale et de son organisation harmonique, en particulier avec l'utilisation de la polyphonie.

Depuis au moins le IXᵉ siècle, elle est principalement une tradition écrite, donnant naissance à un système de notation sophistiqué, ainsi qu'à une littérature d'accompagnement dans les pratiques analytiques, critiques, historiographiques, musicologiques et philosophiques. Composante fondamentale de la culture occidentale, la musique classique est fréquemment vue du point de vue de compositeurs individuels ou de groupes, dont les compositions, personnalités et croyances ont fondamentalement façonné son histoire.

Ancrée dans le mécénat des églises et des cours royales d'Europe occidentale, la musique médiévale ancienne qui a survécu est principalement religieuse, monophonique et vocale, avec la musique de la Grèce et de Rome antiques influençant sa pensée et sa théorie. Les plus anciens manuscrits musicaux existants datent de l'Empire carolingien (800-888), à peu près à l'époque où le plain-chant occidental s'est progressivement unifié en ce que l'on appelle le chant grégorien. Des centres musicaux existaient à l'abbaye de Saint-Gall, à l'abbaye Saint-Martial et à l'abbaye Saint-Emmeran, tandis que le XIᵉ siècle a vu le développement de la notation sur portée et une production accrue de théoriciens de la musique médiévale.

Vers le milieu du XIIᵉ siècle, la France est devenue le principal centre musical européen : l'école de Notre-Dame a exploré pour la première fois les rythmes organisés et la polyphonie, tandis que la musique séculière a prospéré avec les traditions des troubadours et trouvères menées par des nobles poètes-musiciens. Cela a culminé avec l'ars nova française parrainée par la cour et le Trecento italien, qui ont évolué vers l'ars subtilior, un mouvement stylistique d'une extrême diversité rythmique.

À partir du début du XVᵉ siècle, les compositeurs de la Renaissance de l'influente École franco-flamande ont bâti sur les principes harmoniques de la contenance angloise anglaise, portant la musique chorale à de nouveaux standards, en particulier la messe et le motet. Le nord de l'Italie a rapidement émergé comme la région musicale centrale, où l'École romaine s'est engagée dans des méthodes hautement sophistiquées de polyphonie dans des genres tels que le madrigal, qui a inspiré la brève École anglaise du madrigal.

La période baroque (1580-1750) a vu la standardisation relative de la tonalité de la pratique courante, ainsi que l'importance croissante des instruments de musique, qui ont grandi en ensembles de taille considérable. L'Italie est restée dominante, étant le berceau de l'opéra, du genre du concerto centré sur le soliste, de la forme organisée de la sonate ainsi que des genres vocaux de grande échelle que sont l'oratorio et la cantate. La technique de la fugue, défendue par Johann Sebastian Bach, a illustré la tendance baroque à la complexité, et en réaction, les styles de musique galante plus simples et chantants ainsi que l'Empfindsamkeit ont été développés.

Dans la période classique plus courte mais pivotale (1730-1820), des compositeurs tels que Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven ont créé des représentants largement admirés de la musique absolue, y compris des symphonies, des quatuors à cordes et des concertos. La musique romantique subséquente (1800-1910) s'est plutôt concentrée sur la musique à programme, pour laquelle le lied, le poème symphonique et divers genres pour piano étaient des vecteurs importants.

Pendant cette période, la virtuosité était célébrée, l'immensité encouragée, tandis que la philosophie et le nationalisme étaient intégrés—tous des aspects qui ont convergé dans les opéras de Richard Wagner. Au XXᵉ siècle, l'unification stylistique s'est progressivement dissipée tandis que la proéminence de la musique populaire a considérablement augmenté. De nombreux compositeurs ont activement évité les techniques et genres du passé sous l'angle du modernisme, certains abandonnant la tonalité au profit du sérialisme, tandis que d'autres ont trouvé une nouvelle inspiration dans les mélodies folkloriques ou les sentiments impressionnistes.

Après la Seconde Guerre mondiale, pour la première fois, les auditeurs ont valorisé la musique ancienne par rapport aux œuvres contemporaines, une préférence à laquelle l'émergence et la large disponibilité des enregistrements commerciaux ont répondu. Les tendances du milieu du XXᵉ siècle jusqu'à nos jours incluent la Nouvelle Simplicité, la Nouvelle Complexité, le Minimalisme, la musique spectrale, et plus récemment la musique postmoderne et le postminimalisme. De plus en plus mondiale, des praticiens des Amériques, d'Afrique et d'Asie ont obtenu des rôles cruciaux, tandis que des orchestres symphoniques et des maisons d'opéra apparaissent désormais à travers le monde.

Terminologie et Définition

Origines Idéologiques

Le terme anglais "classical" (classique) et son équivalent allemand "Klassik" proviennent du français "classique", lui-même dérivé du mot latin classicus, qui se référait à l'origine à la plus haute classe de citoyens romains antiques. Dans l'usage romain, le terme est ensuite devenu un moyen de distinguer les figures littéraires vénérées ; l'auteur romain Aulus Gellius a loué des écrivains tels que Démosthène et Virgile comme classicus. À la Renaissance, l'adjectif a acquis un sens plus général : une entrée dans le Dictionarie of the French and English Tongues de Randle Cotgrave en 1611 est parmi les premières définitions existantes, traduisant "classique" comme "classique, formel, ordonné, en rang dû ou approprié ; également, approuvé, authentique, principal, principal". Le musicologue Daniel Heartz résume cela en deux définitions : 1) une "discipline formelle" et 2) un "modèle d'excellence".

Comme Gellius, les érudits de la Renaissance qui écrivaient en latin utilisaient plus tard classicus en référence aux écrivains de l'Antiquité classique ; cependant, ce sens ne s'est développé que progressivement et était pendant un certain temps subordonné aux idéaux classiques plus larges de formalité et d'excellence. La littérature et les arts visuels—pour lesquels il existait des exemples substantiels de la Grèce et de Rome antiques—ont finalement adopté le terme "classique" en relation avec l'Antiquité classique, mais pratiquement aucune musique de cette époque n'était disponible pour les musiciens de la Renaissance, limitant le lien entre la musique classique et le monde gréco-romain.

C'est en Angleterre au XVIIIᵉ siècle que le terme "classique" "en est venu à représenter un canon particulier d'œuvres en performance". Londres avait développé une scène musicale de concerts publics proéminente, sans précédent et inégalée par d'autres villes européennes. La cour royale avait progressivement perdu son monopole sur la musique, en grande partie à cause de l'instabilité que la dissolution du Commonwealth d'Angleterre et la Glorieuse Révolution ont provoquée sur les musiciens de cour. En 1672, l'ancien musicien de cour John Banister a commencé à donner des concerts publics populaires dans une taverne londonienne ; sa popularité a rapidement inauguré la proéminence des concerts publics à Londres.

La conception de la "musique classique"—ou plus souvent de la "musique ancienne"—a émergé, toujours fondée sur les principes de formalité et d'excellence, et selon Heartz, "le rituel civique, la religion et l'activisme moral ont joué un rôle significatif dans cette nouvelle construction du goût musical". La performance de cette musique a été spécialisée par l'Academy of Ancient Music et plus tard lors de la série des Concerts of Antient Music, où le travail de certains compositeurs des XVIᵉ et XVIIᵉ siècles était présenté, en particulier George Frideric Handel.

En France, le règne de Louis XIV (r. 1638-1715) a vu une renaissance culturelle, à la fin de laquelle des écrivains tels que Molière, Jean de La Fontaine et Jean Racine étaient considérés comme ayant surpassé les réalisations de l'Antiquité classique. Ils ont donc été caractérisés comme "classiques", tout comme la musique de Jean-Baptiste Lully (et plus tard Christoph Willibald Gluck), étant désignée comme "l'opéra français classique". Dans le reste de l'Europe continentale, l'abandon de la définition du "classique" comme analogue au monde gréco-romain a été plus lent, principalement parce que la formation de répertoires canoniques était soit minimale, soit exclusive aux classes supérieures.

De nombreux commentateurs européens du début du XIXᵉ siècle ont trouvé une nouvelle unification dans leur définition de la musique classique : juxtaposer les compositeurs plus anciens Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn et (en excluant certaines de ses œuvres ultérieures) Ludwig van Beethoven comme "classiques" face au style émergent de la musique romantique.

Ces trois compositeurs en particulier ont été regroupés dans la Première École de Vienne, parfois appelée les "classiques viennois", un couplage qui reste problématique en raison du fait qu'aucun des trois n'est né à Vienne et du peu de temps que Haydn et Mozart y ont passé. Bien que ce fût une caractérisation souvent exprimée, elle n'était pas stricte. En 1879, le compositeur Charles Kensington Salaman a défini les compositeurs suivants comme classiques : Bach, Handel, Haydn, Mozart, Beethoven, Weber, Spohr et Mendelssohn. Plus largement, certains écrivains utilisaient le terme "classique" pour louer généralement les productions bien considérées de divers compositeurs, en particulier ceux qui ont produit de nombreuses œuvres dans un genre établi.

Compréhension Contemporaine

La compréhension contemporaine du terme "musique classique" reste vague et multifacette. D'autres termes tels que "musique savante", "musique canonique", "musique cultivée" et "musique sérieuse" sont largement synonymes. Le terme "musique classique" est souvent indiqué ou implicite comme concernant uniquement le monde occidental, et inversement, dans de nombreuses histoires académiques, le terme "musique occidentale" exclut la musique occidentale non classique.

Une autre complication réside dans le fait que "musique classique" est parfois utilisé pour décrire la musique savante non occidentale présentant des caractéristiques durables et complexes similaires ; des exemples incluent la musique classique indienne (c'est-à-dire la musique carnatique, la musique hindoustanie et la musique Odissi), la musique gamelan, et divers styles de la cour de la Chine impériale (voir par exemple yayue). Ainsi, à la fin du XXᵉ siècle, des termes tels que "musique classique occidentale" et "musique savante occidentale" sont apparus pour répondre à cela.

Le musicologue Ralph P. Locke note qu'aucun terme n'est idéal, car ils créent une "complication intrigante" lorsqu'on considère "certains praticiens des genres de musique savante occidentale qui viennent de cultures non occidentales".

La complexité de la forme musicale et de l'organisation harmonique sont des traits typiques de la musique classique. Le Oxford English Dictionary (OED) propose trois définitions du mot "classical" en relation avec la musique :

1. "d'excellence reconnue"
2. "de, relatif à, ou caractéristique d'une tradition musicale formelle, distincte de la musique populaire ou folklorique"
3. et plus spécifiquement, "de ou relatif à la musique européenne formelle de la fin du XVIIIᵉ et du début du XIXᵉ siècle, caractérisée par l'harmonie, l'équilibre et l'adhérence aux formes compositionnelles établies".

La dernière définition concerne ce qui est maintenant appelé la période classique, une ère stylistique spécifique de la musique européenne de la seconde moitié du XVIIIᵉ siècle au début du XIXᵉ siècle.

Histoire

Racines

La tradition classique occidentale commence formellement avec la musique créée par et pour l'Église chrétienne primitive. Il est probable que l'Église primitive souhaitait se dissocier de la musique prédominante de la Grèce et de Rome antiques, car elle rappelait la religion païenne qu'elle avait persécutée et par laquelle elle avait été persécutée. En tant que telle, il reste peu clair dans quelle mesure la musique de l'Église chrétienne, et donc la musique classique occidentale dans son ensemble, a été influencée par la musique antique précédente. L'attitude générale envers la musique a été adoptée des théoriciens et commentateurs de la musique de la Grèce antique et de Rome.

Tout comme dans la société gréco-romaine, la musique était considérée comme centrale dans l'éducation ; avec l'arithmétique, la géométrie et l'astronomie, la musique était incluse dans le quadrivium, les quatre sujets de la division supérieure d'une éducation libérale standard au Moyen Âge. Cette haute considération pour la musique a été promue pour la première fois par les érudits Cassiodore, Isidore de Séville, et en particulier Boèce, dont la transmission et l'expansion des perspectives de la musique de Pythagore, Aristote et Platon ont été cruciales dans le développement de la pensée musicale médiévale. Cependant, les érudits, les théoriciens de la musique médiévale et les compositeurs ont régulièrement mal interprété ou mal compris les écrits de leurs prédécesseurs grecs et romains.

Cela était dû à l'absence complète d'œuvres musicales gréco-romaines survivantes disponibles pour les musiciens médiévaux, au point qu'Isidore de Séville (vers 559-636) a déclaré : "à moins que les sons ne soient mémorisés par l'homme, ils périssent, car ils ne peuvent être écrits", ignorant les pratiques de notation systématiques de la Grèce antique des siècles auparavant. Le musicologue Gustave Reese note, cependant, que de nombreux textes gréco-romains peuvent encore être crédités comme influents pour la musique classique occidentale, puisque les musiciens médiévaux lisaient régulièrement leurs œuvres—qu'ils le fassent correctement ou non.

Cependant, il existe quelques continuations musicales indiscutables du monde antique. Des aspects de base tels que la monophonie, l'improvisation et la dominance du texte dans les arrangements musicaux sont présents à la fois dans la musique médiévale précoce et dans la musique de presque toutes les civilisations anciennes.

Les influences grecques incluent en particulier les modes ecclésiastiques (qui étaient des descendants des développements d'Aristoxène et de Pythagore), la théorie acoustique de base de l'accord pythagoricien, ainsi que la fonction centrale des tétracordes. Des instruments grecs antiques tels que l'aulos (un instrument à anche) et la lyre (un instrument à cordes similaire à une petite harpe) ont finalement conduit à plusieurs instruments modernes d'un orchestre symphonique. Cependant, Donald Jay Grout note que tenter de créer une connexion évolutive directe de la musique antique à la musique médiévale précoce est sans fondement, car elle a été presque exclusivement influencée par la théorie de la musique gréco-romaine, et non par la performance ou la pratique.

Musique Ancienne

Musique Médiévale

La musique médiévale comprend la musique d'Europe occidentale après la chute de l'Empire romain d'Occident en 476 jusqu'à environ 1400. Le chant monophonique, également appelé plain-chant ou chant grégorien, était la forme dominante jusqu'à environ 1100. Les moines chrétiens ont développé les premières formes de notation musicale européenne afin de standardiser la liturgie dans toute l'Église. La musique polyphonique (à plusieurs voix) s'est développée à partir du chant monophonique tout au long du Haut Moyen Âge et jusqu'à la Renaissance, y compris les vocalisations plus complexes des motets. Pendant la première période médiévale, la musique vocale du genre liturgique, principalement le chant grégorien, était monophonique, utilisant une seule ligne mélodique vocale non accompagnée.

Les genres vocaux polyphoniques, qui utilisaient plusieurs mélodies vocales indépendantes, ont commencé à se développer pendant le Haut Moyen Âge, devenant prévalents vers la fin du XIIIᵉ et le début du XIVᵉ siècle. Des compositeurs médiévaux notables incluent Hildegarde de Bingen, Léonin, Pérotin, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Francesco Landini et Johannes Ciconia.

De nombreux instruments de musique médiévaux existent encore, mais sous des formes différentes. Les instruments médiévaux comprenaient la flûte, le flageolet et des instruments à cordes pincées comme le luth. De même, des versions anciennes de l'orgue et de la vièle (ou vielle) existaient. Les instruments médiévaux en Europe étaient le plus souvent utilisés seuls, souvent accompagnés d'une note de bourdon, ou occasionnellement en parties. Dès au moins le XIIIᵉ siècle jusqu'au XVᵉ siècle, il y avait une division des instruments en "haut" (instruments bruyants, stridents, pour l'extérieur) et "bas" (instruments plus doux, plus intimes). Un certain nombre d'instruments ont des racines dans des prédécesseurs orientaux qui ont été adoptés du monde islamique médiéval. Par exemple, le rebab arabe est l'ancêtre de tous les instruments à cordes frottées européens, y compris la lyra, la rebec et le violon.

Renaissance

La période de la Renaissance musicale a duré de 1400 à 1600. Elle a été caractérisée par une utilisation accrue de l'instrumentation, de multiples lignes mélodiques entrelacées et l'utilisation de formes antérieures d'instruments à cordes graves. La danse sociale est devenue plus répandue, donc les formes musicales appropriées pour accompagner la danse ont commencé à se standardiser.

C'est à cette époque que la notation de la musique sur une portée et d'autres éléments de la notation musicale ont commencé à prendre forme. Cette invention a rendu possible la séparation de la composition d'une pièce de musique de sa transmission ; sans musique écrite, la transmission était orale et sujette à des changements à chaque fois qu'elle était transmise. Avec une partition musicale, une œuvre pouvait être exécutée sans la présence du compositeur. L'invention de l'imprimerie à caractères mobiles au XVe siècle a eu des conséquences considérables sur la préservation et la transmission de la musique.

De nombreux instruments ont vu le jour pendant la Renaissance ; d'autres étaient des variations ou des améliorations d'instruments qui existaient auparavant. Certains ont survécu jusqu'à nos jours ; d'autres ont disparu, pour être recréés afin de jouer de la musique sur des instruments d'époque. Comme à l'époque moderne, les instruments peuvent être classés comme cuivres, cordes, percussions et bois. Les instruments à vent en cuivre de la Renaissance étaient traditionnellement joués par des professionnels membres de guildes et incluaient la trompette à coulisse, le cornet en bois, la trompette naturelle sans pistons et le sacqueboute. Les instruments à cordes comprenaient la viole, le rebec, la lyre (ressemblant à une harpe), la vielle à roue, le luth, la guitare, la cithare, la bandora et l'orpharion.

Les instruments à clavier à cordes comprenaient le clavecin et le clavicorde. Les instruments de percussion incluent le triangle, la guimbarde, le tambourin, les cloches, le pot-à-tonnerre et divers types de tambours. Les instruments à vent en bois comprenaient le chalumeau à double anche (un ancêtre de la famille du hautbois), le pipeau, la cornemuse, la flûte traversière, la flûte à bec, le dulciane et le cromorne. Des orgues simples existaient, mais étaient largement confinées aux églises, bien qu'il y ait eu des variétés portables. L'imprimerie a permis la standardisation des descriptions et des spécifications des instruments, ainsi que l'instruction pour leur utilisation.

La musique vocale de la Renaissance est remarquable pour l'épanouissement d'un style polyphonique de plus en plus élaboré. Les principales formes liturgiques qui ont perduré tout au long de la période de la Renaissance étaient les messes et les motets, avec quelques autres développements vers la fin, en particulier lorsque les compositeurs de musique sacrée ont commencé à adopter des formes séculaires (comme le madrigal) pour leurs propres desseins. Vers la fin de la période, les premiers précurseurs dramatiques de l'opéra tels que la monodie, la comédie madrigalesque et l'intermède sont apparus. Vers 1597, le compositeur italien Jacopo Peri a écrit "Dafne", le premier ouvrage à être appelé aujourd'hui un opéra. Il a également composé "Euridice", le premier opéra à avoir survécu jusqu'à nos jours.

Des compositeurs de la Renaissance notables incluent Josquin des Prés, Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dunstable, Johannes Ockeghem, Orlande de Lassus, Guillaume Dufay, Gilles Binchois, Thomas Tallis, William Byrd, Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, John Dowland, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Jacques Arcadelt et Cipriano de Rore.

Période de Pratique Commune

La période de pratique commune est généralement définie comme l'ère entre la formation et la dissolution de la tonalité de pratique courante. Le terme englobe généralement environ deux siècles et demi, couvrant les périodes baroque, classique et romantique.

Baroque

La musique baroque est caractérisée par l'utilisation du contrepoint tonal complexe et l'utilisation d'une basse continue, une ligne de basse continue. La musique est devenue plus complexe par rapport aux chansons simples de toutes les périodes précédentes. Les débuts de la forme sonate ont pris forme dans la canzone, tout comme une notion plus formalisée du thème et des variations. Les tonalités majeures et mineures comme moyens de gérer la dissonance et le chromatisme en musique ont pris toute leur forme.

Pendant l'ère baroque, la musique pour clavier jouée sur le clavecin et l'orgue à tuyaux est devenue de plus en plus populaire, et la famille des instruments à cordes du violon a pris la forme généralement vue aujourd'hui. L'opéra en tant que drame musical mis en scène a commencé à se différencier des formes musicales et dramatiques antérieures, et des formes vocales comme la cantate et l'oratorio sont devenues plus courantes. Pour la première fois, les chanteurs ont commencé à ajouter des ornements à la musique.

Les théories entourant le tempérament égal ont commencé à être mises en pratique plus largement, car elles ont permis une gamme plus large de possibilités chromatiques dans les instruments à clavier difficiles à accorder. Bien que J.S. Bach n'ait pas utilisé le tempérament égal, les changements dans les tempéraments du système alors courant du tempérament mésotonique à divers tempéraments qui rendaient la modulation entre toutes les tonalités musicalement acceptable ont rendu possible son "Clavier bien tempéré".

Les instruments baroques comprenaient certains instruments des périodes antérieures (par exemple, la vielle à roue et la flûte à bec) et un certain nombre de nouveaux instruments (par exemple, le hautbois, le basson, le violoncelle, la contrebasse et le pianoforte). Certains instruments des époques précédentes sont tombés en désuétude, tels que le chalumeau, la cithare, le rackett et le cornet en bois. Les principaux instruments à cordes de l'ère baroque comprenaient le violon, la viole, l'alto, la viole d'amour, le violoncelle, la contrebasse, le luth, le théorbe (qui jouait souvent les parties de basse continue), la mandoline, la guitare baroque, la harpe et la vielle à roue. Les bois comprenaient la flûte baroque, le hautbois baroque, la flûte à bec et le basson.

Les cuivres comprenaient le cornet, le cor naturel, la trompette naturelle, le serpent et le trombone. Les instruments à clavier comprenaient le clavicorde, le tangent piano, le clavecin, l'orgue à tuyaux et, plus tard dans la période, le pianoforte (une version précoce du piano). Les instruments de percussion comprenaient les timbales, la caisse claire, le tambourin et les castagnettes.

Une différence majeure entre la musique baroque et l'ère classique qui l'a suivie est que les types d'instruments utilisés dans les ensembles baroques étaient beaucoup moins standardisés. Un ensemble baroque pouvait inclure un ou plusieurs types différents d'instruments à clavier (par exemple, orgue à tuyaux ou clavecin), des instruments à cordes supplémentaires (par exemple, un luth), des cordes frottées, des bois et des cuivres, et un nombre non spécifié d'instruments de basse jouant la basse continue (par exemple, un violoncelle, une contrebasse, une viole, un basson, un serpent, etc.).

Les œuvres vocales de l'ère baroque comprenaient des suites telles que les oratorios et les cantates. La musique séculière était moins courante et se caractérisait typiquement uniquement par la musique instrumentale. Comme l'art baroque, les thèmes étaient généralement sacrés et destinés à un contexte catholique.

Des compositeurs importants de cette époque incluent Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Johann Pachelbel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Barbara Strozzi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully et Heinrich Schütz.

Classique

Bien que le terme "musique classique" englobe toute la musique savante occidentale de l'ère médiévale au début des années 2010, l'ère classique était la période de la musique savante occidentale des années 1750 au début des années 1820—l'ère de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven.

L'ère classique a établi de nombreuses normes de composition, de présentation et de style, et lorsque le piano est devenu l'instrument à clavier prédominant. Les forces de base requises pour un orchestre sont devenues quelque peu standardisées (bien qu'elles s'élargiraient à mesure que le potentiel d'une plus large gamme d'instruments était développé).

La musique de chambre s'est développée pour inclure des ensembles comptant jusqu'à 8-10 interprètes pour les sérénades. L'opéra a continué à se développer, avec des styles régionaux en Italie, en France et dans les pays germanophones. L'opera buffa, une forme d'opéra comique, a gagné en popularité. La symphonie est devenue une forme musicale à part entière, et le concerto a été développé comme un véhicule pour des démonstrations de virtuosité. Les orchestres n'avaient plus besoin de clavecin et étaient souvent dirigés par le premier violon (maintenant appelé le concertmaster).

Les musiciens de l'ère classique ont continué à utiliser de nombreux instruments de l'ère baroque, tels que le violoncelle, la contrebasse, la flûte à bec, le trombone, les timbales, le pianoforte (le précurseur du piano moderne) et l'orgue.

Alors que certains instruments baroques sont tombés en désuétude (par exemple, le théorbe et le rackett), de nombreux instruments baroques ont été transformés en versions encore utilisées aujourd'hui, comme le violon baroque (qui est devenu le violon), le hautbois baroque (qui est devenu le hautbois) et la trompette baroque, qui est passée à la trompette régulière à pistons. Pendant l'ère classique, les instruments à cordes utilisés dans l'orchestre et la musique de chambre comme les quatuors à cordes ont été standardisés en quatre instruments qui forment la section des cordes de l'orchestre : le violon, l'alto, le violoncelle et la contrebasse.

Les instruments à cordes frottées de l'ère baroque tels que les violes à frettes ont été progressivement abandonnés. Les bois comprenaient le clarinetto d'amour, la clarinette classique, le chalumeau, la flûte, le hautbois et le basson. Les instruments à clavier comprenaient le clavicorde et le pianoforte. Alors que le clavecin était encore utilisé dans l'accompagnement du basso continuo dans les années 1750 et 1760, il est tombé en désuétude à la fin du siècle. Les cuivres comprenaient le buccin, l'ophicléide (un remplacement du serpent basse, qui était le précurseur du tuba) et le cor naturel.

Les instruments à vent sont devenus plus raffinés pendant l'ère classique. Alors que les instruments à anche double comme le hautbois et le basson sont devenus quelque peu standardisés dans le baroque, la famille des clarinettes à anche simple n'a pas été largement utilisée avant que Mozart n'élargisse son rôle dans les contextes orchestraux, de musique de chambre et de concerto.