Le jazz est un genre musical né à la fin du XIXᵉ et au début du XXᵉ siècle au sein des communautés afro-américaines de La Nouvelle-Orléans, en Louisiane. Il puise ses racines dans le blues, le ragtime, l’harmonie européenne et les rituels rythmiques africains. Depuis les années 1920, connues comme l’Ère du Jazz, il est reconnu comme une forme majeure d’expression musicale dans la musique traditionnelle et populaire. Le jazz se caractérise par le swing et les blue notes, des accords complexes, le chant en appel et réponse, les polyrythmies et l’improvisation.
À mesure que le jazz s’est répandu dans le monde, il a puisé dans les cultures musicales nationales, régionales et locales, donnant naissance à différents styles. Le jazz de La Nouvelle-Orléans a débuté au début des années 1910, combinant les marches des fanfares, les quadrilles français, la biguine, le ragtime et le blues avec une improvisation polyphonique collective. Cependant, le jazz n’a pas commencé comme une tradition musicale unique à La Nouvelle-Orléans ou ailleurs. Dans les années 1930, les big bands swing orientés vers la danse, le jazz de Kansas City (un style improvisé, bluesy et swing) et le jazz manouche (un style mettant l’accent sur les valses musette) étaient les styles dominants.
Le bebop a émergé dans les années 1940, faisant passer le jazz d’une musique populaire dansante à une « musique de musiciens » plus exigeante, jouée à des tempos plus rapides et utilisant davantage l’improvisation basée sur les accords. Le cool jazz s’est développé vers la fin des années 1940, introduisant des sons plus calmes et plus doux et des lignes mélodiques longues et linéaires.
Au milieu des années 1950, le hard bop a émergé, introduisant des influences du rhythm and blues, du gospel et du blues dans les petits groupes et particulièrement pour le saxophone et le piano. Le modal jazz s’est développé à la fin des années 1950, utilisant le mode, ou la gamme musicale, comme base de la structure musicale et de l’improvisation, tout comme le free jazz, qui explorait le jeu sans mesure régulière, sans battement ni structures formelles.
Le jazz fusion est apparu à la fin des années 1960 et au début des années 1970, combinant l’improvisation jazz avec les rythmes de la musique rock, des instruments électriques et un son de scène hautement amplifié. Au début des années 1980, une forme commerciale de jazz fusion appelée smooth jazz a connu le succès, obtenant une diffusion radio significative. D’autres styles et genres abondent au XXIᵉ siècle, tels que le jazz latin et afro-cubain.
Étymologie et Définition
Origine du Mot « Jazz »
Le mot « jazz » a fait l’objet de nombreuses recherches, et son histoire est bien documentée. On pense qu’il est lié à « jasm », un terme d’argot datant de 1860 signifiant « énergie, vigueur ». La première occurrence écrite du mot se trouve dans un article de 1912 du Los Angeles Times où un lanceur de baseball de ligue mineure décrit un lancer qu’il appelle une « jazz ball » « parce qu’elle vacille et que vous ne pouvez simplement rien en faire ».
L’utilisation du mot dans un contexte musical a été documentée dès 1915 dans le Chicago Daily Tribune. Sa première utilisation documentée dans un contexte musical à La Nouvelle-Orléans date d’un article du Times-Picayune du 14 novembre 1916 sur les « jas bands ». Dans une interview avec National Public Radio, le musicien Eubie Blake a offert ses souvenirs des connotations argotiques du terme, disant : « Quand Broadway l’a adopté, ils l’ont appelé ‘J-A-Z-Z’. Ce n’était pas appelé ainsi. C’était orthographié ‘J-A-S-S’. C’était vulgaire, et si vous saviez ce que c’était, vous ne le diriez pas devant des dames. » La Société américaine de dialectologie l’a nommé Mot du XXᵉ siècle.
Définition du Jazz
Le jazz est difficile à définir car il englobe une large gamme de musiques s’étendant sur plus de 100 ans, du ragtime au jazz fusion infusé de rock. Des tentatives ont été faites pour définir le jazz du point de vue d’autres traditions musicales, comme l’histoire de la musique européenne ou africaine.
Mais le critique Joachim-Ernst Berendt soutient que ses termes de référence et sa définition devraient être plus larges, définissant le jazz comme une « forme de musique artistique qui a vu le jour aux États-Unis grâce à la confrontation des Afro-Américains avec la musique européenne » et argumentant qu’il diffère de la musique européenne en ce que le jazz a une « relation spéciale avec le temps définie comme ‘swing' ». Le jazz implique « une spontanéité et une vitalité de production musicale dans laquelle l’improvisation joue un rôle » et contient une « sonorité et une manière de phraser qui reflètent l’individualité du musicien de jazz interprète ».
Une définition plus large qui englobe différentes époques du jazz a été proposée par Travis Jackson : « c’est une musique qui inclut des qualités telles que le swing, l’improvisation, l’interaction de groupe, le développement d’une ‘voix individuelle’, et l’ouverture à différentes possibilités musicales ». Krin Gabbard a soutenu que « le jazz est une construction » qui désigne « un certain nombre de musiques ayant suffisamment en commun pour être comprises comme faisant partie d’une tradition cohérente ». Duke Ellington, l’une des figures les plus célèbres du jazz, a dit : « Tout est musique. »
Éléments
Improvisation
Bien que le jazz soit considéré comme difficile à définir, en partie parce qu’il contient de nombreux sous-genres, l’improvisation est l’un de ses éléments définissants. La centralité de l’improvisation est attribuée à l’influence de formes musicales antérieures comme le blues, une forme de musique folklorique qui a surgi en partie des chants de travail et des cris de champ des esclaves afro-américains dans les plantations. Ces chants de travail étaient généralement structurés autour d’un schéma répétitif d’appel et de réponse, mais le blues primitif était également improvisé. L’exécution de la musique classique est évaluée davantage par sa fidélité à la partition musicale, avec moins d’attention accordée à l’interprétation, à l’ornementation et à l’accompagnement.
L’objectif de l’interprète classique est de jouer la composition telle qu’elle a été écrite. En revanche, le jazz est souvent caractérisé par le produit de l’interaction et de la collaboration, accordant moins de valeur à la contribution du compositeur, s’il y en a un, et plus à celle de l’interprète. Le musicien de jazz interprète un morceau de manière individuelle, ne jouant jamais la même composition deux fois. En fonction de l’humeur de l’interprète, de son expérience et de son interaction avec les membres du groupe ou les membres du public, l’interprète peut changer les mélodies, les harmonies et les signatures temporelles.
Dans le early Dixieland, également connu sous le nom de jazz de La Nouvelle-Orléans, les interprètes prenaient tour à tour les mélodies et improvisaient des contre-mélodies. À l’ère du swing des années 1920-1940, les big bands s’appuyaient davantage sur des arrangements qui étaient écrits ou appris à l’oreille et mémorisés. Les solistes improvisaient au sein de ces arrangements. À l’ère du bebop des années 1940, les big bands ont cédé la place à de petits groupes et à des arrangements minimaux dans lesquels la mélodie était brièvement énoncée au début et la majeure partie du morceau était improvisée.
Le modal jazz a abandonné les progressions d’accords pour permettre aux musiciens d’improviser encore plus. Dans de nombreuses formes de jazz, un soliste est soutenu par une section rythmique d’un ou plusieurs instruments harmoniques (piano, guitare), une contrebasse et une batterie. La section rythmique joue des accords et des rythmes qui délimitent la structure de la composition et complètent le soliste. Dans le jazz avant-gardiste et le free jazz, la séparation entre le soliste et le groupe est réduite, et il y a une liberté, voire une exigence, d’abandonner les accords, les gammes et les mesures.
Traditionnalisme
Depuis l’émergence du bebop, les formes de jazz qui sont orientées commercialement ou influencées par la musique populaire ont été critiquées. Selon Bruce Johnson, il y a toujours eu une « tension entre le jazz en tant que musique commerciale et en tant que forme d’art ». Concernant la renaissance du jazz Dixieland dans les années 1940, les musiciens noirs l’ont rejetée comme étant un divertissement nostalgique superficiel pour les publics blancs. D’un autre côté, les passionnés de jazz traditionnel ont rejeté le bebop, le free jazz et le jazz fusion comme des formes de dégradation et de trahison. Une autre vision est que le jazz peut absorber et transformer divers styles musicaux. En évitant la création de normes, le jazz permet aux styles avant-gardistes d’émerger.
Diversité dans le Jazz
Jazz et Race
Pour certains Afro-Américains, le jazz a attiré l’attention sur les contributions afro-américaines à la culture et à l’histoire. Pour d’autres, le jazz est un rappel « d’une société oppressive et raciste et des restrictions sur leurs visions artistiques ». Amiri Baraka soutient qu’il existe un genre de « jazz blanc » qui exprime la blancheur. Des musiciens de jazz blancs sont apparus dans le Midwest et dans d’autres régions des États-Unis. Papa Jack Laine, qui dirigeait le groupe Reliance à La Nouvelle-Orléans dans les années 1910, était appelé « le père du jazz blanc ».
L’Original Dixieland Jazz Band, dont les membres étaient blancs, a été le premier groupe de jazz à enregistrer, et Bix Beiderbecke était l’un des solistes de jazz les plus en vue des années 1920. Le style de Chicago a été développé par des musiciens blancs tels que Eddie Condon, Bud Freeman, Jimmy McPartland et Dave Tough. D’autres de Chicago, comme Benny Goodman et Gene Krupa, sont devenus des membres de premier plan du swing pendant les années 1930. De nombreux groupes comprenaient à la fois des musiciens noirs et blancs. Ces musiciens ont contribué à changer les attitudes envers la race aux États-Unis.
Rôle des Femmes
Les femmes interprètes et compositrices de jazz ont contribué au jazz tout au long de son histoire. Bien que Betty Carter, Ella Fitzgerald, Adelaide Hall, Billie Holiday, Peggy Lee, Abbey Lincoln, Anita O’Day, Dinah Washington et Ethel Waters aient été reconnues pour leur talent vocal, étaient moins connues les cheffes d’orchestre, compositrices et instrumentistes telles que la pianiste Lil Hardin Armstrong, la trompettiste Valaida Snow et les parolières Irene Higginbotham et Dorothy Fields. Les femmes ont commencé à jouer des instruments dans le jazz au début des années 1920, attirant une reconnaissance particulière au piano.
Lorsque les musiciens de jazz masculins ont été mobilisés pendant la Seconde Guerre mondiale, de nombreux groupes entièrement féminins les ont remplacés. Les International Sweethearts of Rhythm, fondées en 1937, étaient un groupe populaire qui est devenu le premier groupe entièrement féminin intégré aux États-Unis et le premier à voyager avec l’USO, faisant une tournée en Europe en 1945. Les femmes étaient membres des big bands de Woody Herman et Gerald Wilson.
À partir des années 1950, de nombreuses instrumentistes de jazz féminines étaient en vue, certaines menant de longues carrières. Certaines des improvisatrices, compositrices et cheffes d’orchestre les plus distinctives du jazz ont été des femmes. La tromboniste Melba Liston est reconnue comme la première femme joueuse de cuivre à travailler dans des grands groupes et à avoir un réel impact sur le jazz, non seulement en tant que musicienne mais aussi en tant que compositrice et arrangeuse respectée, notamment à travers ses collaborations avec Randy Weston de la fin des années 1950 aux années 1990.
